もう安心 

~演劇とアイドルと何かと~

スポンサーサイト

上記の広告は1ヶ月以上更新のないブログに表示されています。
新しい記事を書く事で広告が消せます。

南米で南北(追記あり)

*『桜姫 ~清玄阿闍梨改始於南米版』 シアターコクーン (2009.6.26)


四世鶴屋南北作品の生々しさは、そりゃインパクトの強いものなのだけれど、これが「人間の本能」とか「情欲」とかのありがちな言葉で伝えられるとき、えらく多くのものをとりこぼしているような気がしていたのです。そういう単語で説明しても、まあ間違いではないのだけれど。

で、まずこれらの説明に足りていないのは、生活感のある「小汚さ」なのかもしれない、と。生活も隣人への接し方も雑だし、家財やら服装も洗練するべくもなく埃にまみれている。桜姫が堕ちていった下層の市井とはきっとそういう場。であるからこそ、目先の物欲も性欲も、情けなくも安直に露呈するのでしょう。舞台を南米にうつし翻案した本作では、この「小汚さ」というエッセンスがごく自然に現前してきます。


マリア(=桜姫;大竹しのぶ)は北の下層社会にくだってのち、娼婦となって幌荷台付きバイクで商売をする。設定が南米ということもあるのだけれど、視覚的には一昨年にさいたま芸術劇場で上演していたガルシア=マルケス原作『エレンディラ』に近いものがあるかと。
エレンディラも西洋近代的な意味でいう「自我」の有無ははっきりしないところがありますが(「自我」がなきゃいけないって意味ではなくて)、本作のマリアも自身の意思でものごとを決定しているのかどうか不透明な存在となっています。歌舞伎版では最後に亭主であり仇である権助を討ち果たしお家再興、という自我の発露を見せますが、マリアは身投げする最期すら確たる意思を持っているのかよくわからない。


そのかわり(それゆえに、というか)、彼女は周囲の人物の性急で場当たり的な欲を浮き彫りにする役目を果たしています。

聖者セルゲイ(白井晃)はかつて心中を図った相手ジョゼの生まれ変わりとしてマリアを求め、共に死のうと迫る。金品と女を求めて強奪を繰り返すゴンザレス(中村勘三郎)はかつてマリアの父を強盗の際に殺害、それが露見しセルゲイから共に自死することを迫られると「生きたい、怖い」とへたり込む。

マリアはその中心にいるし何よりすべての当事者であるにもかかわらず、何を考えているのか判然としません。ただ彼女の周囲にいる人物たちの身勝手で余裕のない欲求ばかりが次々浮かび上がる。目先の物欲も露わにもなれば、なし崩しにセックスになだれ込んだりもしてしまうのが人間の常なわけで。

そのなかで、過去を引きずる聖者セルゲイと刹那的な革命家もどきの悪党ゴンザレス、対照的に見える二人が身勝手な欲という共通項で合わせ鏡になる。その下世話な欲求に、この「小汚い」世界設定は非常に似つかわしい。原作の持つ強さを提示するうえで、脚本を担当した長塚圭史の翻案の方向性は成功していると思います。


ここまでくれば原作とは相当の飛躍があるとはいえ、やはりこれを書かせたのは鶴屋南北の着想、描く人間的生々しさが基にあってこそ、ではあるでしょう。原作作品そのもので完結するのでなく、後の時代の人間が勝手にその生々しさを増幅してくれる、その引力こそが今日における南北の肝なのかもしれません。


この小汚い世界で、洗練された人間にもなれず、物欲もセックスへの欲も浅ましく持て余しながら、その浅ましさを肯定するようなココージオ役の古田新太の存在感は目を見張るものがあります。原作でココージオにあたる残月が軽みを帯びた役であるのに対し、本作のココージオはシニカルに世を眺め、その最期もドライだけれど重い。笑いと寂寥感との区切りを瞬時に作り、そのいずれにおいても大きな見せ場をつくることのできる古田の技量は、この世界設定の現出に欠かせません。
恋人関係にあるイヴァ(原作では長浦;秋山菜津子)との展開は、原作とは比べものにならないほど救いがない。マリアとの衝動的なセックスがもととなってイヴァを自殺に追い込み、イヴァの遺体の残骸を掃除するようゴンザレスに強いられる。静かに自分の最期を決めてチェアに寄りかかる彼の姿は、主役であるセルゲイとゴンザレスを忘れさせてしまう強さを持っていました。


一方で、中村勘三郎という役者は恵まれつつも非常に難しい位置に在るのでしょう。ゴンザレスについては、革命家として囃されるほどの格の大きさが見えない、というのも役柄上の話としてあるのだけれど、それとはまったく別のところで、彼が築いてきたものゆえの難題がついて回っているようです。
シアターコクーンにおいて、あるいは歌舞伎に新規客を呼び込むという意味において、当代中村勘三郎が大きな功労者のひとりであることは間違いありません。野田秀樹や串田和美を巻き込んだ歌舞伎演出は、日常的に歌舞伎を観ない層に訴えるものを持っていた。少なくとも、一見の観客を口説くという意味では、そのわかりやすさ(とりわけコミカルなパート)の提示は随一のものではありました。

難しいのは、彼のファンがそういうわかりやすい笑いに慣れ過ぎてしまっていること。彼が登場すると、観客が「笑い待ち」の状態になりがちなのです。それゆえ、笑わせる意図のないであろう箇所にも客席に笑いが生じ、本来その場面で強調されるべき効果が、笑い声にかき消されてしまう(このことは納涼歌舞伎や平成中村座での公演で、より顕著だと思いますが)。そうした環境の中で、今回のゴンザレスという役を客席に届かせるのは容易なことではなかったでしょう。

この環境はしかし、彼の築いた成功の軌跡が生んだ、恵まれたものではあるのです。そのキャラの強さだけで見る側が強い反応を示してくれるわけですから。古田新太が巧みに自身のキャラを乗りこなしているように、中村勘三郎がこの環境を乗りこなすとき、ひとつの理想形が生まれるのかもしれません。


(7月9日追記)
この『桜姫』や、他の歌舞伎でいえば『小猿七之助』にあらわれる、自分を手込めにした男性に想い焦がれ恋に発展するような女性造形、あまつさえその関係を美化するような描写には、そもそも強い違和感を覚えます。近世につくられた話であることを承知の上で書きますが、その描写に投影されている価値観、セックス観自体が嫌いです。
それでもこの南米版桜姫に著しい無理を感じなかったのは、大竹しのぶのマリアが、自我を持っているのかどうかよくわからない人物として造形されていたためでしょう。マリアの意思を無視したセックスで浮かび上がるのは、ゴンザレスやココージオの身勝手でだらしない欲求ばかり。そこに安易な美化などないのです。

ということを、今月(7月)のコクーン歌舞伎『桜姫』を観て確認しました(歌舞伎版の桜姫‐権助の手込め美化にはやっぱり嫌悪感がある)。

コクーン歌舞伎版『桜姫』は、バランスを大きく見誤っている、と思います。独立したエントリーは書きませんが、簡単に言えば、劇中のコメディシーンというのは、その劇内世界に観る側を引き込んだ上で初めて成立するものなのだ、ということ。

ストーリーが軌道に乗らないうちに、文脈の欠落したおどけを乱発して笑いをとろうとするため、いつまで経っても「劇」が落ち着かない。笑わせを意図した箇所がストーリーと絡み合っていないため、おふざけで時間が過ぎてゆく感がありました。
ただでさえ「笑い待ち」になりがちな勘三郎一座の観客は、単発のおどけ(や笑わせる意図のないであろう箇所まで)にいちいち反応してしまう。「笑い待ち」のファンに空気を持っていかれがちな一座だからこそ、シンプルに「劇」の強さを見せることがもっと意識されるべきであったかと。
スポンサーサイト

チラシなんていらねえよ、夏

*劇団鹿殺し 路上パフォーマンス 新宿駅東南口(「GAP」の近く) (2009.6.3)


先のエントリーの芝居を見た帰り、新宿駅前にさしかかったところ、まさに始まろうとしていたのです。

この劇団のパフォーマンスを見るのは初めてなのですが、支持を得るというのはわかりますよね。


別に演劇に限らないのですが(このパフォーマンスは演劇ではないし)、表現活動をする、ということは、積極的にどんどん恥をかきにいく、ということです。音楽でも小説でも絵でも立体でも批評とか学問(あれも表現活動だよ)でも。自分の無知とか至らなさとかを明るみに出す、ということが必ずついてまわる。そこに迷いのない人たちはまずそれだけで強いのですが。

一方でやっていることがが独善的にならないための視点はやはり不可欠で、それがいちばん難しかったりするのだけれども。勢いにまかせただけの歌とダンスを、他者に届きうるエンターテイメントとして成立させているのは、自ら歌い踊る座長・菜月チョビの俯瞰したポジションゆえでしょう。勢いのみでねじふせるタイプのパフォーマンスの合間に、瞬時に「落ち着いた司会のお姉さん」となって適切なMCをよどみなく伝え、再び馬鹿な歌とダンスに入ってゆく。恥を晒す自分たちを突き放して見るという、勢いしか持っていない人にはできない芸当。だから、それをどういう衣装で行なえば格好いいかもよくわかっているし、押し引きのバランスも良い。理屈を口にしなくたって、知性を見せつけることはいくらでもできるのです。


基本的には宣伝活動なのだと思います。小劇場系の劇団のチラシには、わかりやすいインパクトが必要なのでないかなあと、ここのところ考えていたのですが、この10分間のパフォーマンスは、鹿殺しという劇団の存在を一見さんに提示するにはとても効果的であったのではないか。やってることはノリと勢いだけで、どういう演劇をやる団体なのかはよくわからないのだけれども、なんだか楽しいインパクトだけは残してゆく。

それで充分です。

もとよりA4サイズのチラシにいくら団体のコンセプトやらあらすじやらを書き込んだって、存分に伝えられるわけなどない。むしろ文字説明が勢いを削いでしまうことだって少なくない。よくわからないけど、インパクト。初めての人を呼び寄せるなら、そちらの方がきっといい。

劇場に足を運んで見るまでは劇団への評価なんてわからなくて、それ以前に、知り合いでもない人を劇場まで呼ぶことのハードルがまず高い。それなら宣伝に盛り込むべきは些細なこだわりなどよりも、気にさせる何か。人を巻き込んで去ってゆく何か。その何かは確実に感じさせるパフォーマンスでありました。

それなんて勧進帳?…ってほどでもねえ

*ジェットラグプロデュース『今勧進帳』 サンモールスタジオ (2009.6.3)


演技の安定感の有無というのは、本当に冒頭の些細なやりとりだけで客席に伝わってしまうものだったりします。それ如何で、始まるなり観客のコミットの度合いを著しく下げてしまうこともある。脚本演出の企図をつかむ以前に、役者の力如何で劇全体への目が厳しくなってしまうわけです。とりわけ、俳優の名前や顔だけで客を惹きつけることのできない小劇場では、冒頭の俳優の佇まいがもたらすものは小さくない。

少なくともその点において、この芝居の俳優陣は優秀であるといえるでしょう。大仰にならない抑えた演技ながら声がしっかりと通っていること、またナチュラルな他愛ないやりとりを表現する際、間のとり方が上手いことはきちんと評価されるべきであるかと。そのため、見る側が劇に入っていくのにさして労力を要さないものになっています。それは、あるいは一定のレベル以上のものが求められる場合、当然の技術なのかもしれません。ただ、客席100人規模の小劇場ではその水準に頻繁に出会うわけではないので、ここはやはり強調しておいてよいと思います。


もっとも、9人のキャスト全員がそうした上手さを平均的に持っている、というわけではないのです。終盤に主役になってゆく青年(藤沢大悟)は、固さが抜けきらないし周囲の巧みさに比べると、スキルだけでいえばやや見劣りする感がある(下手じゃないけど)。しかし、それでも彼がウィークポイントにならないのは、それを覆うだけの華をもっているため。彼に限らず、今回のキャスティングについては、華のある役者を揃えられたことがいちばんの勝因かもしれません。


公演を打ったジェットラグというのはプロデュース母体であって劇団ではないようです。そのため、公演ごとに作・演出・俳優をその都度募る。主幹の人物が映画等の製作に関わっているためなのでしょうか、人員の選び方に余裕がある、というか高い水準のキャスト選びができる環境にあるようです(先に名前を出した藤沢氏は前にJUNONスーパーボーイコンテストで賞を獲った人なんだそうな)。


その環境の結果であるのか、役柄に合わせて人員が非常に的確に配置されている。役柄と俳優が無理なく溶け合っているのは各人の技術でもあるでしょうが、適材適所の妙、という方がここでは正しいでしょう。特にヒロインの元恋人で、かつて暴走族だった男(渡航輝)。スーツに白シャツを着て、落ち着いたなりをしながらも、かつてのガラの悪さを感じさせる、細かな表情の作り方が秀逸。ストーリーを最後まで追ってみればそれほど重要な役ではないのですが、見る側を飽きさせない華と存在感をもっています。

チープさは隠せない小劇場であっても、有名人など出演しなくても、キャストの総合力次第で豪華っぽく感じさせることはできる。その好例ではあろうかと思います。


『今勧進帳』がタイトルなのです。で、何が「勧進帳」なのかというと、クライマックスで主人公(前述の藤沢)をかばうバイト先の主人が読んできかせる手紙というのが実は…というその形式をもって歌舞伎の『勧進帳』になぞらえているわけですね。


喫茶店でバイトをしつつ介護福祉士の資格を目指す主人公は、かつて飲酒運転で女性を轢き殺してしまい、今は別の名前を名乗って日々を過ごしている。彼に殺された女性の婚約者は恨みをつのらせ、主人公の恋人を車で轢こうとするなど、主人公に幸せを成就させないための行動に走り、執拗に主人公を追い立てる。ある種の被害者遺族の暴走が描かれています。終盤、喫茶店内でその元婚約者と主人公が対峙、詰め寄る元婚約者に対して喫茶店のマスターが、主人公の家族からの「手紙」を読み聞かせる。


実在しない手紙を「勧進帳」してまでマスターが元婚約者に伝えようとするのは、主人公が肉親と絶縁状態にあり、またその肉親たちも被害者への慰謝料を捻出するために無理な生活を強いられ家庭が崩壊しかかっている、という状況でした。で、だからもう主人公のことをそっとしておいてくれ、ということなのですが、その訴えには少なからぬ違和感を覚えます。

元婚約者の暴走は常軌を逸していて、これを止めなければならないというのはその通りでしょう。ただ、その際の論理として、加害者も親族含めて苦労してるんだから放っておいてやれよというのは、なんというか、いい気なもんだなという感が否めません。あまつさえ、その親族の近況というのは「勧進帳」なのです。つまり、嘘なのです。嘘の訴えをもって、加害者の立場を擁護しようとするのは、これけっこう悪質な欺瞞なんじゃないのかなあ、と。


そもそも主人公の身の回りの人間に危害を加えようとしていた元婚約者ですが、この「勧進帳」の訴えを聞いて意気消沈、喫茶店を後にします。主人公に対して怒りをぶつける道理を持っている元婚約者がそれで簡単に意気消沈するのか、ということもありますが、被害者遺族に対して、同情を引く類の嘘で場をおさめようとしていることがやはり引っかかります。
それまでのドラマ運びが悪いわけではないのに、クライマックスに来て不合理な感情論でなんとなく説得させてしまっている感じが気分よくない。十字架を背負う加害者の煩悶をメインに据え、感情移入させるかたちをとっても、浅薄な感情論に走らない問題提起はできたであろうと思うのですが。


宣伝文句に、

「現在は、実際の武士はいませんし、殺伐とした話ばかりで、「情け」があるのか、という世の中です。江戸の時代、歌舞伎という世界観の中で描かれている「武士の情け」、「人情」、「粋」などを、今の世の中に探していくことで、「今」を浮かび上がらせます。」(シアターガイドHP掲載の宣伝文より)

とありますが、今日の価値観の中に置いてしまえば「武士の~」(こういうフレーズ自体、近年の人々が思い描いた、とてもイマジナリーなものだと思いますが)などというのは、ひどく理不尽な論理だったりします。劇の伝えるメッセージにそういう理不尽さが、はからずも現れているともいえるかと。加えて『勧進帳』の場合、讒言によって兄頼朝の憎悪を買う義経には同情の余地がけっこうあるわけです。
今回の芝居のようなケースを「情け」だなんだというフレーズで評価するのは無理があるような。

本タイトルに据えるほど『勧進帳』との本質的な相似はないのではないでしょうか。空の手紙を読むという形のみが「勧進帳」なわけで、他の形で『勧進帳』という元ネタをほのめかす程度の方がうまくおさまったのではないかなと思います。


並行するもうひとつのエピソード――喫茶店の常連である介護福祉士たちの働く施設が外国人スタッフを「雇用」していると偽り(本当はボランティアで働かせている)、不正に介護報酬を受給していた――は、メインのエピソードよりもよい出来になっています。
不正を隠して続けようとするスタッフ、不正をかぎつけ暴こうとする地方紙の記者、迷いながら記者に不正の証拠をリークするもう一人のスタッフ、それぞれが自分なりの「正義」のために動いていて、かつその「正義」を全うしようとするエゴのために後ろめたさも抱えている。サブストーリーとしてはボリュームも、確信犯的な後味の悪さもちょうどよい。つまり、脚本もいいところまでは行っているのでしょう。

キャストに華があって演技プランも概ね良く、脚本も平均値は低くない。それだけに、クライマックスの説得の仕方に悪質さが垣間見えてしまうのはもったいない。この着地の仕方が、印象を著しく悪くしてしまっています。

FC2Ad

上記広告は1ヶ月以上更新のないブログに表示されています。新しい記事を書くことで広告を消せます。